时装秀一向有着“不就是一群穿着奇装异服的人在台上走来走去”的名声。每每看到在时装秀上，模特们穿着设计“奇葩”的衣服一本正经地走猫步时，我们难免会想，这么不切实际的衣物设计出来到底是干什么用的？到底想不想让人穿啊？今天就来说说，这些奇装异服的存在又到底是怎么回事？

　　从“时装玩偶”开始

　　说起时装秀，不得不说一座城市——巴黎。1391年， 法国王后伊莎贝拉用木材和黏土制成真人大小的人体模型，穿上新颖的宫廷服装，作为礼物赠送给英国王后安妮。这种玩偶当时被称为“时装玩偶”，它与今天陈列在时装店的人体模型已经十分相似了。

　　此后的400多年间，“时装玩偶”在欧洲盛行并逐渐成为礼仪风俗，不少国家的上层人士以模仿法国宫廷的衣着打扮为“时髦”。服装设计师也会将穿着自己设计的衣服的玩偶模特送给客户，以推销自己的服装。19世纪在美国和英国还先后举办了玩偶时装展，令人耳目一新，被认为是现代时装表演的前身。

　　19世纪40年代，“高级时装之父”查尔斯·沃斯沃斯在巴黎一家销售羊绒披巾、大衣及装饰品的商店里工作。他把模特从玩偶换成了真人，收到了良好的推销效果。

　　以时装表演的形式来促销时装很快被业内认可，成为时装设计师向客户展示最新款式客户的最好方式。当时，模特表演仅是穿上时装，在客户面前即兴地走走停停，让客户看清楚时装的面料和花色而已，并没有什么走台的标准。

　　1900 年， 巴黎时装协会主席帕奎夫人在巴黎召开庞大的时装展示会，将当时模特展示的场地从平地移到了舞台上，为正规化时装表演开了先河。

　　几年后，在美国开展的一次大规模时装表演中，大厅中搭起了一个大型平台，一直延伸到观众面前。这种伸展台实际上就是T形台，它可以使模特有时间和空间展示起猫步，也让观众能较长时间更细致地看到服装的款式结构、色彩搭配和面料质地等。这种独具匠心的创举一直被沿用至今。

　　所以，现在频繁看到的“出乎意料”的服装设计，也不是近来才有的。那些颇具创新思维和艺术性的设计风格在上世纪30年代就有了，如打破艺术与时装隔墙的超现实主义服装设计。

　　二战后，各种艺术风格应运而生，如野兽派、未来派、立体派、抽象派等，时装越来越纷繁复杂，使得战前曾经惊世骇俗的超现实主义女装变得平庸无奇。到了80年代中期，时装发展的脚步放慢，开始重新追溯历史，重拾昔日曾带动时尚潮流的各种艺术风格。超现实主义艺术又在此时复兴。

　　造型越来越荒谬

　　最近这些年，时装表演进入多元化发展时期，秀场上出现了越来越多让人捉摸不透的艺术性设计，实用性几乎为零。

　　那是因为时装秀不再像刚开始那样只是单纯地营销服装，更多的是偏向艺术上的审美和创新，而不是体现实用性功能。从这一点上看，模特身上穿的东西和展览里的艺术品意义差不多。

　　虽然设计师并不指望有谁会花钱买下自己设计的这些奇装异服，但是展出这些服装是要花不少钱的——平均一场时装秀要花费大约4万美元。这些时装秀的作用在于宣传自身品牌，以及让别人了解设计师的风格，甚至碰撞出艺术的火花或者更多的设计灵感。

　　每个季度展出的时装系列都会有特定的主题，航海风、乡村风、维多利亚风……当时装秀结束以后，这些东西会被时尚界人士转化成能穿的款式，在成衣店或商场里售卖。T形台上那些服装的颜色、面料和设计风格会被保留，但那些怪异的特点，比如走秀的模特头上戴着的一个手提包会被去掉。

　　当然，这些不实用的服装还是会等到第一个吃螃蟹的人的，那就是明星或者巨富，他们偶尔会穿着设计夸张的服装出现在公众面前。

　　基于这些服装的不实用性，零售商们也不会着重看模特身上穿的东西有没有销售的前景，他们更关心哪场时装秀赢得了媒体和观众的关注，以及这场时装秀背后的设计师是谁。

　　就算某个时装秀上的服装款式真是“雷死人不偿命”，时尚媒体也不会发表针对这个设计师的不好言论——品牌都是各时尚杂志的“大金主”，没人想惹这个麻烦。这样一来，设计师在尽情施展自己的才华进行艺术创作的时候，还会有什么顾忌呢？于是，越来越多疯狂的设计出现在时装秀上。

　　再说了，在时装周期间，看时装秀的时尚界人士一天看七八场时装秀是正常的事。如果场场时装秀都展示正常实用的衣服，看两天就看吐了，这个时候你就会觉得给模特头上戴个水桶的设计师多么惹人爱了。在时装秀上，那几个响当当的大品牌不来点儿大众眼中的不和谐配色、图案和风格，时尚界人士都觉得这场秀没意思。

　　（据《壹读》）