由银座美术馆、《诗书画》杂志共同主办的“第一届《诗书画》年度展——男·女”，将于2014年11月21日下午2点在山东美术馆拉开帷幕，届时将呈现李津、靳卫红二位著名当代艺术家60余幅精彩之作。此次大展是由著名策展人阿克曼（Michael Kahn-Ackermann）先生整体策划。，阿克曼先生于1975年来中国留学，前歌德学院中国区总院长，是最早地向西方世界推介中国当代艺术的人物之一。他于30年前开始对水墨艺术产生浓厚的兴趣，并大力推荐和收藏。他集多年对中国当代水墨艺术的思考而策划了这个展览。谈到对此次展览的策划，以及艺术家的选择，包括展览的整体布置，阿克曼先生对记者讲述了自己独特的见解。 记者傅晓燕

　　与《诗书画》的结缘

　　《诗书画》创刊三年来，得到了学术界的高度认同，已经成为一个当今学术研究与艺术推广的重要的媒介平台，在此平台之上众多专家顾问发挥团队强大的学术力量，运用自身丰富的专业展览经验，整合各方专业资源，将于本月21日在山东省美术馆为大家呈现一场崭新的艺术盛宴。这里的“新”首先一点就是，整个展览的策展人是一名德国人，他与《诗书画》整个团队会有着怎样的情谊？

　　记者：阿克曼先生请您谈一下与《诗书画》团队的结识及评价。

　　阿克曼：一个很偶然的机会，我认识了《诗书画》杂志的主编寒碧先生，当时跟他交谈之后，给我留下了很深刻的印象，他是我遇见的很少见的既把学问做深，又有热情和能力做事的人。之后我读了他主编的《诗书画》杂志，第一感觉是这本杂志就是他本人的一个写照。

　　寒碧先生的谈吐展现着中国文化，这是一种中国文人特有的品性，他对杂志最看重的是质量，这种态度确实让人敬佩，我觉得他与自己追求的价值是一体的。可以说寒碧先生是我认识的中国人里面最不一般的一位。

　　通过与寒碧先生的交往，我逐渐认识熟悉了《诗书画》与银座美术馆整个团队，这是一群有想法，有担当的人，他们在学术上坚持高度，在艺术家的选择与推介上坚持高标准，我欣赏他们做事做人的原则，也希望能够跟他们一起，研究探讨欣赏高层次的艺术。

　　自我反思是一种新的修养

　　“第一届《诗书画》年度展——男·女”旨在探讨水墨艺术在当代的状况，什么是水墨艺术的“当代性”？在今天的中国乃至世界艺术领域纷杂繁复的全景图中，水墨艺术身处什么样的位置？水墨和自我的表达有什么样的关系？这些问题，想必也是当下国内艺术家们正在研究和探索的。国内艺术家的实践与研究根植于中国传统文化，而像阿克曼先生这样一位熏陶于西方艺术的外国人，他又对我们中国的文化，特别是中国的绘画有怎样深刻的了解与认识呢。

　　记者：对于中国的水墨艺术，您有怎么样的认识？

　　阿克曼：从1975年开始，我来到中国学习，自30年前开始就对水墨艺术产生浓厚的兴趣，策划这个展览正是出于对当代水墨能力的反思。水墨画是中国特有的，是文人抒发情感的一个产物。水墨的核心是“写意”，是一种在西方艺术系统完全不存在的艺术立场。水墨画无论是审美观、道德观，还是社会理解等方面反映着文人社会。水墨画跟整个文人社会关系密切，如今我感觉这个文人环境系统没了，那么水墨应该怎么发展？我的理解有三种可能性，一种就是假设这种大环境还存在，继续表达山水、花鸟这些传统的东西；再者就是中国当代好多艺术家吸收了西方的艺术语言，将中西方的两种不同的艺术方式和艺术传统融合在一起，探索一条新的路径，这也需要艰辛努力和付出，因为这是两种完全不同的艺术形态与体系； 再有一种就是很多画家走上了俗魅的路子，他们把俗魅当成了成就感，打着大俗大雅的旗号招摇，让人可气可耻。如果觉得上面说的这三个方向都不可行，那只有对自己的创作和追求进行反思。这是一件非常困难的事情，因为画好水墨画有两个条件，一是修养，第二是用笔。我的看法是，在今天这样的文化艺术大环境下，传统的环境不存在了，新的系统也不一定不合适，那么就只有对自我进行反思。这是一种新的修养。

　　从男与女的视角探索当代水墨艺术

　　无论什么时代，什么社会阶层，什么生活环境，男性女性都是社会的主体，“男·女”展览就是从这个事实出发来思考的。男性和女性对一个艺术家意味着什么？有没有男性和女性艺术？男人和女人在艺术里怎么看自己？李津和靳卫红这两位男性和女性艺术家是回应这个问题的案例。

　　记者：第一届《诗书画》年度展为什么会选择靳卫红、李津两位艺术家？

　　阿克曼：第一届《诗书画》年度展以“男·女”这样一个新奇的展览题目可以引起很多观众的好奇心，当然“男·女”也是谈不完的一个题目。我们当国家总统或乞丐之前，我们要么是男，要么是女，男女是生存最基本的分类。一个今天的艺术家一定反思和探讨他们生存的前提。这是支持艺术发展的最重要的因素之一。之外，我想惹一点点观众的好奇心。

　　首先，我认为这两个艺术家是当代水墨创作中最重要的艺术家，跟中国其他艺术家一样，他们很明显也受到西方艺术的影响，可是，他们的语言保持着中国绘画的审美核心。

　　靳卫红艺术主题涉及女性生存的孤独，期待，希望和自许等等状态，她的作品人物几乎可以被理解为是一种自我的画像，对自我身体和灵魂的经验以样本式呈现，是当代中国文化中具有标识性的形象。李津的艺术主题直揭生活底色，是感官经验在审美上的总结。他用繁华的生活表面——食、色、肉体，睡等等，轰轰烈烈的世俗生活抵挡人生的孤独。他们表达出的完全是一个精神的人，有人的绝望、渴望、享受，这是一种直接的表达方式，传统绘画里面少见。同时，他们俩人在技术层面讲又是非常强的，这是他们的画吸引我的一个条件。

　　这次展览意在策划两位当代重要的水墨画家从自身的视角表述他们的艺术理解，同时，也探讨当代水墨画发展的支撑点究竟是什么。自我，是不是能成为一个有效表达支撑？当然，大众口味还是某种艺术理论都无法为当代水墨艺术面临的问题给出答案。答案只藏在每位艺术家的人格、才华，生活经验和艺术实践里。

　　我还邀请了作家们发言，比如，贾平凹、王安忆、刘震云、苏童等等，因为，两位水墨艺术家的经验，也正是作家的体认。

　　打破传统展厅模式 呈现新的展示效果

　　◆一位德国著名策展人，一位德国知名展厅设计师，带领一支国内高端的艺术团队，邀请到的是堪称当代水墨画代表的两位艺术家，这样的组合将会带给观众怎么样的视觉新盛宴？

　　记者：阿克曼您能简单讲述一下这次展览的特色吗？

　　阿克曼：中国新盖的美术馆共同特点是提供巨大的空间和巨大的展厅，这是中国现代化进程的结果，对当代中国绘画的影响十分巨大。展厅越大，作品越大。无论是空间还是作品都以征服观众作为目的。谁喊得声音最大，谁就占有的空间最大。水墨艺术不符合这种逻辑。水墨的大小与人身体的比例关系紧密，比方，手臂的长度是有限度的。观众和作品需要一个亲密的对话关系，分享艺术品的细节和气息。如何把一个巨大的展厅变成一个符合水墨特性的空间，这是第一个考虑。其二就是，传统的水墨画空间是私人性的，所以，水墨创作方式受其限制，并产生在其中。我决定用一个接近于私宅的空间，请德国艺术家茶拓比（Tobi）为我做出七个不同的空间。在这个巨大的装置里面，应该给观众设计一个方向和节奏，让他们循着走。但这不是呆板的线路，他们可以选择走一条自己的路线，以自己的方向和节奏看展览。第三点就是这个展览是两个艺术家的对立、对比和对话的展览，不同的空间要求显现不同的氛围。有时，与一个传统的展厅无异，有时，一个空间只放两幅作品，有时，集中到一个画家的作品之中，有时，对照一个他们共同或不同的主题。每个空间的高度不一样，增加建筑群体化的感觉。还有一点就是我强调水墨画的私人性，但是展览同时也是一个共同性的场域，所以，在整体空间考虑之中，把连接七个空间的空白地————院子，作为公共性的场合使用，从每个展厅都可以到达院子，人们可以在这个空间里讨论、歇息和交流。照壁起围合的作用，同时也起引发观众好奇心的作用，后面是什么？

　　除了上面提到的这几位作家外，陈丹青、韩东、廖雯、格非也为本展写了十分精彩的评论。在戛纳和柏林都获了奖的电影导演娄烨，专门制作了专题片，也将在开幕当天首播。开幕时，还有大量的艺术家的朋友和评论家到场，共同就一些话题进行现场探讨，我希望能带给观众一场热烈的艺术盛宴。